Peggy Guggenheim: Art Addict, de Lisa Immordino Vreeland

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En el mes de Julio, MACBA presentará dos films de la realizadora francesa Lisa Immordino Vreeland quien en el último periodo de su trayectoria ha esbozado los famosos documentales sobre Diana Vreeland y Peggy Guggenheim.

En el sótano de Jacqueline B. Weld, biógrafa de Peggy Guggenheim, descubren la grabación -dada por perdida- de una extensa entrevista con Peggy que data de fines de los setenta, poco antes de su muerte. Este archivo, incluido en el documental, es el punto de partida para la reconstrucción que hace Lisa Immordino Vreeland de la historia de la coleccionista Guggenheim que se convertiría en una figura central del arte moderno.
Peggy Guggenheim: Art Addict es un íntimo retrato de esta mujer que ha creado una de las más importantes colecciones del siglo XX y promovido la trayectoria de algunos de los más relevantes figuras de la historia del arte como Max Ernst, Yves Tanguy, Wassily Kandinsky, Mark Rothko, Robert Motherwell and Jackson Pollock. Peggy Guggenheim: Art Addict traza múltiples lineas de conexión -y conflicto- entre la vida de esta coleccionista, el arte moderno y la agitación social y cultural del siglo XX.
Jueves 14 de Julio 19hs.

Diana Vreeland: The eye has to travel, de Lisa Immordino Vreeland

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En el mes de Julio, MACBA presentará dos films de la realizadora francesa Lisa Immordino Vreeland quien en el último periodo de su trayectoria ha esbozado los famosos documentales sobre Diana Vreeland y Peggy Guggenheim.

Diana Vreeland, conocida como la “Emperatriz de la moda”, fue la primera editora de moda de la revista Harper’s Bazaar, en la cual trabajó durante veinticinco años, antes de ser nombrada editora jefe de Vogue. Muchos coinciden en considerarla la creadora del concepto de moda tal y como lo conocemos hoy. Diana Vreeland, una mujer de personalidad arrolladora, fue una columnista brillante y carismática, con un talento innato para descubrir nuevos diseñadores, fotógrafos y tendencias, a menudo controvertidas, pero que han resistido sin esfuerzo el paso del tiempo, defendiendo modelos de belleza impensados para la época.

Este documental dirigido por Lisa Immordino Vreeland, ofrece un perfil biográfico combinando imágenes de archivo, fotografías familiares y una extensa entrevista inédita con el mítico periodísta George Plympton.

Jueves 7 de Julio 19hs.

A propósito de Godard, de Harun Farocki y Kaja Silverman.

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El viernes 1ro de Julio a las 19hs., se celebrará la segunda jornada del ciclo programado entre el departamento audiovisual MACBA y Caja Negra Editora, en el que se realizará la presentación del libro de conversaciones entre Harun Farocki y Kaja Silverman, A propósito de Godard, acompañado de la proyección del film Número Dos y la presentación de David Oubiña. El evento procurará poner en escena un diálogo entre este ejemplar y Número Dos, film de Jean-Luc Godard que retrata la intimidad de una joven familia obrera en una vivienda social de Francia en período de urbanización.

Con apoyo del Goethe-Institut.
Entrada libre y
gratuita.

 

 

LOS PÍXELS DE CÉZANNE – Wim Wenders

10-Wim Wenders & Yohji Yamamoto.

Wim Wenders & Yohji Yamamoto

 

Fecha: 9 de Junio 19hs
Con el apoyo del
Goethe-Institut
Entrada libre y
gratuita

«Solo escribiendo puedo pensar las cosas hasta el final.  Las ideas van cobrando claridad a medida que veo las palabras escritas delante mío. Si puedo ver lo que hace un instante no era más que pensamiento, la idea queda liberada, y puede continuar pensándose hacia adelante.» 

Publicado en Alemania en 2015 con motivo de su aniversario número 70, LOS PÍXELS DE CÉZANNE y otras impresiones sobre mis afinidades artísticas reúne por primera vez los escritos de Wim Wenders sobre otros artistas. A través de una idea o de un interrogante, Wenders tira de la punta del ovillo de sus pensamientos, y se desenvuelve como si fuera no solo un cineasta de culto sino también un escritor avezado. Estos textos narran su encuentro con los westerns de Anthony Mann, que lo impulsaron a abandonar la pintura y dedicarse al cine; sus recuerdos entrañables sobre el vínculo que estableció con Michelangelo Antonioni; su fascinación juvenil por los desoladores cuadros de Edward Hopper y de Andrew Wyeth; su curiosidad ante las fotografías de Peter Lindberg, el cine de Ozu o los diseños de Yohji Yamamoto, y también el descubrimiento de un nuevo lenguaje del movimiento en la danza de Pina Bausch, que solo la tecnología del 3D podía plasmar.

El departamento audiovisual MACBA y  Caja Negra Editora los invitan a la primer entrega de un ciclo programado en camaradería. En esta oportunidad,  celebramos el lanzamiento de LOS PÍXELS DE CÉZANNE y otras impresiones sobre mis afinidades artísticas contando como anfitrión  al investigador, docente y crítico de cine y artes audiovisuales Eduardo A. Russo. Aludiendo al espíritu de dicho ejemplar, la presentación será acompañada de la proyección de Apuntes sobre Ciudades y Vestimentas (Aufzeichnungen zu Kleidern und Städten, Wim Wenders, 1989, 79´, Alemania-Francia).

En 1989 el Centro Georges Pompidou de París encarga a Wim Wenders un retrato documental sobre el modisto Yohji Yamamoto. “El mundo de la moda… A mi me interesa el mundo, no la moda”, resulta ser esa primera impresión del realizador que rápidamente se desarma ante el encuentro con el proceso creativo del artista japonés.  Yamamoto interpela a su retratista y le propone volver a postular todos  los cimientos conceptuales de su propio oficio como cineasta. Escindido entre su antigua cámara de 35mm de la Segunda Guerra Mundial y la recién adquirida máquina de video Hi- 8, Wenders teje un film diario que en su devenir articula una reflexión sobre la esencia de los dispositivos de registro, sobre la industria del cine y sus proximidades a la moda.  Aunque en definitiva, sobre aquello que tanto le fascina de su nuevo amigo : el trazo, la firma y teckné del genio creador.

Gacetilla de Prensa e Imágenes

Trouble every day, de Claire Denis.

Anticipando la proyección de este jueves 26, compartimos un fragmento de un artículo sobre la obra de Claire Denis publicado en cinentransit:

La senda ¨de la transmisión sensorial del contenido de la historia, alcanza en Trouble Every Day (2001), sin ningún tipo de duda, su vertiente más extrema. En ella tanto Denis como sus personajes de ficción muestran una pasión descontrolada por los cuerpos, una obsesión que conduce a su filmación cercana y exhaustiva, en el caso de la realizadora, y al canibalismo más salvaje, ejecutado por sus protagonistas en la ficción.(…) La información que se nos da de la trama y de los personajes es mínima. Con el paso del tiempo el cine de Denis ha ido perdiendo paulatinamente su voluntad de narrar historias en favor de un deseo de transmitir sensaciones.

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Si en Beau travail se trataba del deseo de un cuerpo, aquí es el deseo de la carne lo que motiva la película y por ello la directora decide recurrir al género de terror y reducirlo hasta su pura esencia salvaje: el cine gore. Ahora bien, el de Trouble Every Day no es un gore gratuito, basado en el mero espectáculo de los cuerpos destruidos, sino del deseo de la carne y por eso la concepción de los planos cambia; la cámara no lo enseña todo, sino que filma solamente las partes que le interesan, eliminando todo placer voyeur y mostrando la materia en estado puro. (…)

Denis recurre de nuevo a la ciencia para hablar de los cuerpos, pero en este caso llevando su estilo un paso más lejos todavía. Si prestamos atención a su forma, veremos que los planos que componen Trouble Every Day podrían considerarse pequeñas muestras que se ponen ante la luz del microscopio simplemente para ver la materia de la que están hechos los sujetos filmados.

No es casual, entonces, que sea precisamente en un laboratorio donde se nos den algunas de las claves, tanto formales como argumentales, para entender este filme. Cuando Shane (Vincent Gallo) acude a una vieja compañera de trabajo para hablarle sobre Coré (Beatrice Dalle), la conversación revela información vital para la trama y, sin embargo, la directora, haciendo caso omiso de cualquier regla narrativa preestablecida, y en lugar de dedicarse a encuadrar correctamente a los personajes para focalizar nuestra atención, decide acercarse a ellos a una distancia excesivamente corta, al borde del desenfoque, y más que mostrarlos como parte de una historia, parece querer analizar su composición

La décima carta, Virginia García del Pino.

Compartimos una crítica del documental que proyectaremos este jueves 19 a las 19hs:

La décima carta es la que Virginia García del Pino le propone escribir a Basilio Martín Patino para completar aquellas nueve que dedicó a Berta en el largometraje paradigmático del Nuevo Cine Español. También es la primera entrega de la serie Cineastas Contados, un proyecto que, a la manera de Cinéastes de notre temps, propone retratos de directores de referencia de la mano de realizadores más jóvenes que sienten con ellos algún tipo de filiación artística.

García del Pino se sitúa en las antípodas del documental didáctico que pretende ofrecer las claves para desentrañar la filmografía de un cineasta. Su primera vinculación con el legado de Martín Patino es, por tanto, su propia postura ante el documental. La décima carta es un film que busca su camino a medida que avanza, de manera que expone sus propias limitaciones a la hora de aproximarse al cineasta de estudio. Más que seguir, la directora acompaña al cineasta por los escenarios salmantinos de su vida y obra, en el repaso de la documentación que se utilizó para la Trilogía Clandestina (Canciones para después de una guerra, Queridísimos verdugos y Caudillo), y en el visionado de algunos de sus films. El proceso resulta por momentos doloroso. Patino escarbó en archivos, rastros y hemerotecas para recuperar y reconstruir parte de la memoria colectiva de este país. La suya propia, sin embargo, apenas puede reconocer ahora su propio trabajo. Ni saberse reconocido. La directora recurre a una antigua entrevista televisiva con él para contextualizar su encaje y repercusión en el cine español.

La décima carta es, también, el capítulo que cierra esta película estructurada en diez partes. En este caso Patino no intenta reconectar con sus recuerdos sino que contempla en la televisión una ceremonia del presente, la coronación de Felipe VI. Relajado, comenta su puesta en escena con tremenda lucidez: “es pura imagen retórica. ¿Qué hay de España aquí?”. En el plano final aparecen por primera vez en el mismo encuadre Basilio y Virginia, historia y presente del cine español, con una cámara entre ellos como nexo conjuntivo.

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Narcisa, de Daniela Muttis.

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En palabras de su directora Daniela Muttis, ¨La película es un retrato personal acerca de Narcisa Hirsch, una increíble artista pionera del cine experimental argentino, nacida en Berlín en 1928, que se define a sí misma como “una ilustre desconocida”. Pero no para mí, que trabajé con ella durante 12 años, acompañándola en todos sus proyectos desde el video o las instalaciones o los textos. Mi desafío fue justamente ese: ¿Cómo mostrar una obra que tiene más de 30 películas, acciones performáticas, instalaciones, pinturas, libros? ¿Cómo mostrar su proceso creativo, sus ideas, la materialidad de sus trabajos? ¿Cómo trasladar a una película la experiencia de estar trabajando con ella diariamente, sus charlas, sus preguntas, sus argumentos, sus elecciones sonoras y visuales? ¿Cómo hacer una película documental mientras estoy trabajando con ella? Decididamente no pude, tuve que tomar distancia, me encerré con los materiales que había seleccionado en el tiempo y no salí hasta que lo terminé. Estudié cada imagen como si nunca la hubiera visto y volví a ella a repreguntarle y a encontrarme con una artista que reflexiona en su obra sobre el amor, el erotismo y lo cotidiano con un cine completamente poético y verdaderamente experimental.¨